1. Senke deine Ansprüche

Hohe Ansprüche zu haben ist wichtig. Alle erfolgreichen Künstler haben hohe Ansprüche.

Allerdings sind hohe Ansprüche nicht sonderlich hilfreich, wenn sie dich davon abhalten, Lieder zu beenden.

Im ersten Schritt solltest du dir also überlegen, was es eigentlich bedeutet einen Track „fertig“ zu haben. Schließlich zeigt dir das Musikprogramm keinen Fortschrittsbalken für die aktuelle Produktion an.

Wenn dir selber an deinem Song etwas nicht gefällt, ist das durchaus legitim den Song als „unfertig“ zu betiteln. Gefällt dir dein Song allerdings und trotzdem hält dich etwas davon ab ihn zu veröffentlichen, so könnte der unbewusste Anspruch in dir schlummern, dass der Track jedem gefallen muss und du das Gefühl hast, dass der Song noch nicht „gut genug“ ist. Und genau hier liegt die Gefahr.

Die eigenen, meist unbewussten Ansprüche an sich selbst und seine Umwelt zu senken, könnte sich im ersten Moment komisch anfühlen und die Angst schüren, die eigenen musikalischen Standards zu verlieren. Allerdings ist das in nahezu allen Fällen nicht der Fall, da der vermeintlich hohe Standard dazu geführt hat, dass niemals Tracks veröffentlicht wurden, um reale Feedbacks einzuholen.

Eine Sache, die dir helfen kann deine Standards zeitweise zu senken ist es, nicht drüber nachzudenken, das Lied hochzuladen oder es in irgendeiner Art oder Form zu veröffentlichen.  Sobald du drüber nachdenkst, wie dein Song bei anderen bzw. deinen Freunden ankommt, fügt das einen gewissen Druck hinzu.

Dieser Druck zwingt dich dazu, deine Standards hoch anzusetzen. Unter normalen Umständen ist dies ein guter Druck, aber wenn du nichts beenden kannst ist es Gift.

Beobachte dich also genau, was dich am Ende davon abhält, weiter an deinem Track zu arbeiten. Sollte dir eine gedankliche hohe Messlatte auffallen und ein Vergleich mit anderen Künstlern, probiere diese Barriere im Geist zu beseitigen.

2. Arbeite schnell und sorglos

Hohe Ansprüche werden zu einem Problem, weil wir Dinge zu viel analysieren. Wir hören uns etwas an und denken, dass es nicht gut genug ist. Wir stechen Löcher in den Song und konzentrieren uns auf winzige Probleme, die die meisten Zuhörer nicht einmal bemerken würden.

Aber wenn du schnell arbeitest, – so schnell, dass du etwas sorglos bist – hast du keine Zeit für so etwas. Du hast keine Zeit, um Löcher in deine Arbeit zu stechen oder dich auf unwichtige Sachen zu konzentrieren.

Schnell zu arbeiten zwingt dich dazu, schnelle Entscheidungen zu treffen. Wenn du die Akkordprogression schreibst, fragst du dich nicht, ob das die beste Akkordprogression ist, sondern ob sie gut genug ist.

Wenn sie das ist, gehst du weiter zum nächsten Schritt.

Arbeite sorglos, damit dein Fokus nicht darauf liegt, etwas Gutes zu erstellen, sondern um tatsächlich einen Song zu Ende zu bringen. Dabei ist es egal, wenn er deinem aktuellen fiktiven Anspruch nicht genügt. Denke dran, die kreativsten und erfolgreichen Leute erstellen mehr schlechte Kunst, als gute.

3. Verringere die Reibung

Wenn du besonders starke Probleme damit hast, Songs zu beenden, dann ist die Wahrscheinlich hoch, dass du auch bei anderen Schritten des Produktionsprozesses Stagnationsprobleme hast.

Vielleicht hast du Probleme Ideen zu generieren, weiterzuverfolgen und anzuordnen.

Wenn dies der Fall ist, ist es das Beste, die Reibung zu verringern und es für dich so einfach wie möglich zu machen, etwas zu vollenden.

Eine Möglichkeit besteht darin, einen anderen Track als Vorlage zu nehmen.

Du kannst die Struktur oder die benutzten Instrumente kopieren und dann deine eigene Komposition und Ideen verarbeiten. Es ist okay, wenn du eine ganze Menge von einem bereits existierenden Song kopierst (es ist sowieso ziemlich schwer eine perfekte Kopie von einem anderen Track zu erstellen).

Wenn du das machst, passieren seltsame Dinge. Du vergisst, dass du einen anderen Track nachahmst, weil du selbst eine Idee bekommst und diese dich so fesselt, dass du dich in ihr verlierst. Der Track erstellt sich von selbst, du hast den Vorlagensong nur als Starthilfe benutzt.

Ein weiterer Weg, die Reibung zu reduzieren, ist es Kits zu benutzen. Mit Kits kannst du es dir zur Gewohnheit machen, Tracks auch wirklich zu beenden. Ist die Gewohnheit erst mal da, fällt es zukünftig auch viel leichter.

Selbstverständlich sollten Kits nicht dazu genutzt werden um einen gesamten Song zu erstellen. Das wäre nicht sonderlich kreativ.

Allerdings kannst du Kits benutzen, um die letzten fehlenden Elemente im Track hinzuzufügen. Benutzte so viele Loops, Samples oder Kits wie du willst. Mach es dir so einfach wie möglich den Song zu beenden.

Sobald du mehrere Songs mit diesem Vorgehen beendet hast, mache etwas mehr Dinge selbst und benutze weniger Elemente des Kits. Und schneller als du denkst, wirst du Tracks vollenden, die fast ausschließlich aus originellen Elementen bestehen.

Schluss

Ich hoffe mit diesen drei Wegen, welche sich primär auf das Mindset des Künstlers beziehen, eine kleine Hilfestellung gegeben zu haben.
Kunst lebt davon neue Dinge auszuprobieren und eben nicht „perfekt“ zu sein. Es ist wichtiger schneller echte Feedbacks einzuholen und mit dem Song nach draußen zu gehen, als einen unfertigen Track nach dem anderen zu produzieren.

Ich wünsche euch viel Erfolg beim Produzieren!

Der Beitrag 3 Strategien zum Beenden von mehr Musik erschien zuerst auf TrustedMusic.

Der Beitrag Wie du deine Kreativität beim Produzieren steigerst erschien zuerst auf TrustedMusic.

Der Beitrag Kompressoren als (kreatives) Werkzeug in EDM Produktionen erschien zuerst auf TrustedMusic.

In diesem Teil möchten wir dir drei Möglichkeiten vorstellen, an deine Tracks heranzugehen. Selbstverständlich gibt es unzählige Wege, wie Tracks begonnen werden können. Wir haben uns die drei beliebtesten und aus unserer Sicht effizientesten Wege herausgesucht und zeigen deren Vorteile und Nachteile auf.

Start mit Refrain/Chorus

Die Strategie „Start mit Refrain/Chorus“ beruht auf dem Ansatz, mit dem wichtigsten Teil des Tracks zu starten und sich anschließend zurückzuarbeiten.

Bei Loop basierter, elektronischer Musik sieht diese Strategie in Schritten etwa so aus:

1. Das Erstellen eines 8 Takte Loops
2. Vervollständigen dieses 8 Takte Loops zu etwas vollständig Klingendem
3. Part vor Chorus (Refrain) erstellen
4. Part nach Chorus (Refrain) erstellen
5. Auf- und Abbau des Tracks erstellen

Diese 5 Schritte sind selbstverständlich variabel, je nachdem wie du deine Tracks üblicherweise arrangierst. Ziel ist es, mit dem Höhepunkt des Spannungsbogens im Track zu beginnen und alle anderen Teile diesem anzugliedern.

Warum diese Strategie?

Eine der grundlegenden Vorteile der Strategie ist es, dass du das Wichtigste des Tracks sofort bearbeitest. Schließlich ist ein Track nur dann gut, wenn der Hauptteil des Tracks knackig und rund ist.

Ein weiterer Vorteil ist, dass du im Anschluss Elemente und Ideen aus dem Chorus auf andere Teile des Tracks verlagern und editieren kannst. Beispielsweise kann dein Lead Synth aus dem Chorus auch direkt im Aufbau des Tracks verwendet werden oder du kannst die verwendeten Effekte ebenso in andere Parts des Tracks integrieren. Das Ergebnis ist, ein Track, der nicht überfrachtet, da alle Elemente die den Chorus ausmachen, ebenso in den Auf- und Abbau des Tracks integriert werden können.

Nachteile

Ein wesentlicher Nachteil ist es, dass es leicht ist, sich in der Perfektion des Hauptloops zu verfangen, ohne auch nur einen Schritt mit dem Track voranzukommen. Wer hier zu perfektionistisch ist, sollte sich vor dieser Gefahr hüten. Unsere Empfehlung: Lieber im ersten Schritt mit einem 80% Ergebnis zufrieden sein, um beim finalen Feinschliff des Tracks noch einmal ein wenig Feinarbeit leisten. Meistens ergeben sich die Problemlösungen dann von ganz alleine. 

Für wen ist die Strategie geeignet? 

Wenn du normalerweise mit dem Intro des Tracks startest, dich anschließend von vorne nach hinten durcharbeitest und im Anschluss häufig Probleme damit hast, einen passenden Chorus bzw. Hauptteil deines Tracks zu erstellen, dann ist diese Strategie für dich geeignet.

Du solltest immer mit dem Part anfangen,  welcher dir in einem Track am meisten Probleme bereitet. Dann passiert der Rest wie von selbst und du wirst mehr Musik beenden!

Gut geeignet ist diese Herangehensweise außerdem für all die Produzenten, die mehr Zeit zur Verfügung haben, während des Tages regelmäßig auf gute Ideen stoßen und diese schnell „zu Papier“ bringen wollen. Hier macht es überaus Sinn, die Idee in Form des Chorus vom Kopf in die DAW zu bringen. Auf- und Abbau lassen sich zu einem späteren Zeitpunkt dann leicht nachholen.

Tipps:

• Füge so viele Elemente wie möglich zu deinem Chorus hinzu, umso leichter wird das Erstellen der andere Trackparts (natürlich nicht überfrachten – tendenziell gilt aber, wegnehmen ist einfacher als hinzufügen 😉 )
• Wähle dir zu Beginn des Schaffensprozesses dein „Hauptinstrument“ welches eine wesentliche Rolle im Chorus spielen soll und baue alle anderen Elemente drum herum.

Start mit dem Arrangement

Die nun folgende Strategie ist unter den hier vorgestellten wohl die Unkonventionellste.

Bei diesem Workflow geht es darum, mit leeren Midi Clips, die aus den jeweiligen Spuren der Templates in das Arrangement gezogen werden (siehe:  Workflow Tipps Teil 1 – Templates), die Struktur des Tracks festzulegen, bevor mit den Instrumenten gestartet wird.

Da ein Track sehr viele Spuren enthalten kann, lässt sich diese Herangehensweise sowohl auf einem eher einfacheren als auch auf einem komplexeren Weg umsetzen.

In der Regel reicht es, dass nur die Drumspuren + Lead Synth in das Arrangement vorgezeichnet werden. Wer hier tiefer gehen möchte, kann selbstverständlich direkt weitere Spuren zum Aufbau hinzufügen.

Warum diese Strategie?

Die Arrangement Strategie gibt dir einen klaren Rahmen, mit der du während des Produzierens arbeiten kannst. Anstelle mit einem Loop herumzuspielen und diesen im Anschluss zu arrangieren, hast du hier eine klare Vorgabe wie der Verlauf des Tracks aussehen soll.

Ein weiterer Vorteil besteht darin, kritischer an das Arrangement heranzugehen. Da noch kein Audio- oder MIDI-Material in den Clips liegt, fokussierst du dich hier zunächst einmal ausschließlich auf den Trackaufbau. Dieser Fokus geht meist verloren, wenn bereits ein fertiger Loop vorliegt. Das konzeptionelle Denken wird hier stark in den Vordergrund gerückt.

Außerdem hilft die Strategie dabei, Tracks auch wirklich zu beenden. Zumindest zu 80%.

Den Track zu starten ist ziemlich einfach, da mit leeren Midi Clips gearbeitet wird. Somit kommt man sehr schnell in einen Flow ohne sich in kreativen Blockaden zu verlieren

Den Track zu beenden ist ebenfalls einfacher, da das Arrangement bereits vorhanden ist und nun nur konkret mit Elementen gefüllt und Automationen aufgezeichnet werden müssen. Dabei kommt es häufig zu dem Gefühl, als wäre der Track bereits gleich fertig ist und die Motivation bleibt auf einem arbeitsfähigen Level.

Nachteile

Dennoch: So wie jede Strategie bringt auch diese Nachteile mit sich.
Musiker sind kreative Menschen. Häufig mögen kreative Menschen keine strukturierten, unkreativen Herangehensweisen. Daher besteht die Gefahr, dass die Idee einen Track ohne Musik starten zu wollen, eine sehr langweilige Vorstellung sein kann und der Spaß bei der Sache verloren geht.

Eine weitere Schwierigkeit besteht darin, die richtige Balance zwischen zu einfachen und zu komplexen Arrangements zu finden. Ist das Arrangement zu einfach, steht man am Ende erneut vor einem Problem und muss seine Elemente in das bestehende Arrangement integrieren. Ist es zu komplex, nimmt man jegliche kreative Freiheit während des eigentlichen Arbeitens und macht es außerdem schwer, den vorgegebenen Rahmen einzuhalten.

Empfehlenswert ist es, mindestens die Drums + die Leadsynths in das Arrangement zu packen. Effektklänge und begleitende Synths, können am Ende hinzugefügt werden.

Für wen ist die Strategie geeignet?

Die Arrangement Strategie ist ideal für die Produzenten geeignet, die keinerlei Schwierigkeiten damit haben, einen Loop zu erstellen, viel jammen, aber dennoch nie einen Track finalisieren. So wird der Workflow deutlich optimiert und es entsteht am Ende des Tages mehr Musik.

Doch auch für Musiker die einfach ihre Schwierigkeiten haben, ein Arrangement zu erstellen, ist diese Herangehensweise bestens geeignet. Es ist deutlich einfacher ein Arrangement mit blanken MIDI Clips zu erstellen als mit der eigentlichen musikalischen Idee.

Definitiv sollten diese Strategie alle diejenigen testen, die sich darüber beklagen, dass der Anfang beim Produzieren immer einfach ist, aber am Ende bis auf ein paar Loops nicht viel vorzuzeigen haben.

Tipps

• Es kann helfen, Referenzsongs in das Projekt zu ziehen und das Arrangement nachzubauen. Das hilft ein gutes Verständnis über den Aufbau der Tracks in deinem Genre zu verstehen.
• Wenn dir eine geniale Idee während des Arrangierens in den Sinn kommt, unterdrücke sie nicht, sondern baue sie direkt ein, sodass du an dieser Stelle später weitermachen kannst.
• Füge keine kleinen Details in den Vorbau des Arrangements. Denke auch hier daran: Nutze 20% deiner Zeit für 80% des Ergebnisses.
• Betrachte das erstellte Arrangement nicht als in den Stein gemeißelt. Wenn es die Musik im Nachgang erfordert, kann es selbstverständlich angepasst werden. Du solltest dich aber bemühen, deine Vorgaben so gut es geht einzuhalten, sonst hättest du dir die Arbeit zu Beginn sparen können.

Lineares Arbeiten

Beim linearen Workflow arbeiten wir uns klassisch von links nach rechts durch. Du startest also mit dem Intro und ergänzt Stück für Stück, bis der Track fertig ist.

Das heißt natürlich nicht, dass man später nicht noch einmal zurückgehen kann, um Anpassungen vorzunehmen. Es bedeutet nur, dass wir möglichst von links nach rechts arbeiten.

Warum diese Strategie? 

Eine der Hauptvorteile dieser Vorgehensweise ist es, dass das Resultat ein sehr feines Arrangement zur Folge hat. Es bringt ganz automatisch einen guten Flow innerhalb des Tracks mit sich, da hier mehr Fokus und mehr Zeit in die Kopplung zweier Tracksektionen gesteckt wird.

Wenn du mit dem Intro startest, fokussierst du dich auch automatisch darauf, dass Beste aus diesem Part herauszuholen. So werden auch die Parts mit 100% Einsatz bearbeitet, die bei anderen Workflows sonst gerne einmal stiefmütterlich behandelt werden. Außerdem gehen die Ideen des gerade bearbeitenden Parts direkt über in den darauffolgenden. Somit wird der Ablauf des Tracks sehr fein und linear.

Ein weiterer Vorteil besteht darin, dass der lineare Workflow Komplexität rausnimmt und beim Produzieren zum Großteil mit einfachen Ideen gearbeitet werden kann, da der Fokus klar auf einem Part im Track liegt und sich diese nacheinander aufbauen. Somit steht man nicht vor dem Problem von 0 auf 100 starten zu müssen und den Track dadurch zu überfrachten.

Nachteile

Dieser Workflow ist nicht für Produzenten geeignet, die dazu neigen, während des Arbeitens in kreative Blockaden zu fallen. Hier ist die Gefahr sehr groß, gegen eine Wand zu laufen und nicht weiter zu wissen. Es fehlt der Rahmen (Arrangement) und die Grundidee (Loop).

Außerdem besteht die Gefahr, dass sich die Ergebnisse von Track zu Track ähneln, wenn sich das eigene Vorgehen bei der von „Links-Nach-Rechts“ Arbeitsweise nicht großartig ändert. Man tendiert dazu, im Intro jedes Mal die gleichen grundlegenden Elemente zu verwenden und in ähnlicher Reihenfolge weitere Elemente hinzukommen zu lassen. Somit baut man einen Track immer und immer wieder gleich auf und erfindet seine Musik selten neu.

Des Weiteren besteht bei diesem Workflow die Gefahr, zu viel Zeit in Details zu verschwenden, die sich zum Abschluss während des Feinschliffs deutlich einfacher bearbeitet lassen. Du solltest also nicht Stunden für einzelne Parts in Anspruch nehmen, sondern auch hier die bereits weiter oben erwähnte 80/20 Regel anwenden. Was nicht heißt, dass man durch den Track hetzen soll. Du solltest lediglich darauf achten, dass du nicht mehrere Produktionssitzungen mit ein und demselben Part zubringst, da sonst die Gefahr steigt, den Track auf Grund von Perfektionismus gar nicht zu beenden.

Für wen ist die Strategie geeignet?

Der lineare Workflow ist definitiv eine Strategie, mit der es zu experimentieren gilt. Für einige Produzenten kann der lineare Prozess überhaupt nicht funktionieren, für wieder andere aber, wird dieses Vorgehen zu einzigartigen Ergebnissen führen.

Für viele Produzenten, die sich im Bereich progressiver Genres bewegen, passt diese Strategie wunderbar. Warum? Progressive Songs, wie der Name schon sagt, bauen sich nach und nach auf. Somit macht ein lineares Vorgehen hier durchaus Sinn.

Auf diese Weise lassen sich einfache Ideen schneller umsetzen, als beispielsweise mit der oben beschriebenen Chorus Strategie.

Die Strategie ist außerdem für diejenigen Produzenten gut geeignet, die Schwierigkeiten damit haben, in einem Song Spannung und Druck aufzubauen, da hier die einzelnen Parts des Tracks sowie die Übergänge zwischen diesen separat im Fokus stehen.

Fazit

Egal ob du mit dem Chorus startest, zuerst mit dem Arrangement beginnst oder linear vorgehst. Wichtig und entscheidend ist es, dass eigentliche Ziel nicht aus dem Auge zu verlieren: Spaß haben am Musik machen und Songs beenden. Strategien beim Produzieren sollten dich niemals zu sehr einengen, aber sie sollen dir einen Rahmen geben, der dich in einen kreativen Flow katapultiert.

Nur wer eine klare Herangehensweise verfolgt, weiß von Session zu Session wo er aktuell im Track steht, was es noch zu tun gibt und wie der nächste Schritt aussieht.
Sind diese Dinge gegeben, bist du definitiv effizienter und hast am Ende der Woche mehr geschafft, als die meisten Produzenten.

Wir wünschen wie immer viel Erfolg mit euren Tracks!

Der Beitrag Workflow Tipps Teil 2/3: Beispielworkflows zum Produzieren erschien zuerst auf TrustedMusic.

Stattdessen wird Track für Track ohne konkreten Plan gearbeitet. Dieses Vorgehen frisst nicht nur Zeit, sondern schmälert ebenso die Kreativität. Man wird häufiger aus dem eigentlichen Schaffensprozess herausgezogen, um die nächsten Schritte zu überlegen.

Welcher Musiker kennt das nicht? Ein Projekt wird mit vollem Elan angefangen, bis man irgendwann an den Punkt kommt, an dem es nicht weitergeht. Nach einigem hin und her wird letztendlich ein neues Projekt gestartet. Die tatsächlich beendeten Songs sind nur ein Bruchteil der gestarteten Projekte.

Jeder Produzent, der regelmäßig Musik fertigstellt, arbeitet ganz gewiss mit einem Workflow – bewusst oder unbewusst.

Diese Artikelreihe soll Wege aufzeigen, wie man das Musik machen effizienter gestalten und mit weniger Zeit mehr erreichen kann. Im ersten Teil behandeln wir das Thema Templates. Wie man sie erstellt und welche Vorteile sich durch sie ergeben. Im zweiten Teil dieser Serie wollen wir drei Möglichkeiten aufzeigen, einen Track aufzubauen und im letzten Teil behandeln wir das Thema Ideengenerierung.
Templates zu erstellen, kann einen gewaltigen Einfluss auf den Workflow beim Musizieren haben. Einmal im kreativen Flow angekommen, sollte diese Phase voll ausgenutzt werden.

Beim Erstellen eines Templates geht es darum, die Spuren und die Geräte, welche ihr in euren Tracks immer wieder benutzt, bereits beim Starten eines neuen DAW Projekts eingefügt zu haben. Zusätzlich lassen sich auch alle anderen DAW Einstellungen wie vorgefertigte MIDI Clips (z.B. bei der Kick), EQ’s & Farbschemen als Standard Template verwenden.

Basis Templates vs. Erweiterte Templates

Ein komplexes Template, welches mehrere Spuren, das Routing, mehrere Send Channels und Preset Plugins beinhaltet, wird den Produktionsprozess stärker beschleunigen als ein Basis Template. Könnte im Gegensatz aber dazu führen, dass die produzierten Tracks zu ähnlich klingen (obwohl das auch gewünscht sein kann).

Für die allermeisten Musiker macht es Sinn, das Template so zu gestalten, dass 80% der sich wiederholenden Klickarbeit wegfallen. Dazu gehören einige Kernspuren (Kick, HiHat, Bass, Synth etc.), Farbschemen, vorausgewählte Instrumente, Effekte und MIDI Clips.

Es ist wichtig zu erwähnen, dass es keine „beste Option“ gibt. Welche Template Settings für dich am besten passen, solltest du möglichst alleine herausfinden. Im folgenden Abschnitt werden wir gemeinsam ein Basis Template erstellen. Alle Screenshots stammen aus Ableton Live Suite 9. Andere DAW’s wie Logic X Pro, Pro Tools, Cubase oder Reason bieten ebenfalls eine Projekt Template Funktion, sodass das Turtorial für alle DAW’s interessant ist.

Schritt 1: Basis Spuren und Farbschema

 Zu Beginn solltest du in deinem Default Template alle Spuren hinzufügen, welche wiederholend in deinen Tracks vorkommen. Bei einem EDM Track wären die offensichtlichsten Spuren Kick, Bass, Closed HiHat, Open HiHat, Snare, Lead Synth, ggf. Noise und 2 FX Spuren.

Alle zusammenhängenden Spuren, wie z.B. die Drums, könnt ihr direkt in einer Gruppe zusammenfassen. Auf diese Art und Weise lassen sich später die Drums als gesamte Gruppe im Pegel regulieren.

Farbschema

Farbschemen sind für einen besseren Workflow nicht zwingend erforderlich, helfen aber dennoch, sich innerhalb der eigenen Projekte deutlich schneller zurecht zu finden. Besonders, wenn man zwischen mehreren Projekten hin und her springt. So ist immer sofort klar, auf welcher Spur welches Instrument liegt. Probier es aus!

Empfehlenswert ist, Instrumente die sich ähneln, mit ähnlichen Farben zu belegen. Beispielsweise können die Drums mit verschiedenen Blautönen und die Synths mit verschiedenen Grüntönen belegt werden. Selbstverständlich gibt es hierfür keinerlei festgeschriebenen Vorgaben. Wähle dir das Farbset so, dass du dich in deinen Projekten gut zurechtfindest. (Siehe Screenshot oben) 

Schritt 2: Default Effekte / Instrumente

Da die hinzugefügten Spuren nur ein Teil der sich wiederholenden Klickarbeit sind, gehen wir nun noch einen Schritt weiter. Spuren, welche regelmäßig benutzt werden, können mit den Instrumenten und Effekten befüllt werden.

Damit soll nicht gemeint sein, dass in jeder Spur bereits Presets geladen sind. Wenn du für deine Drums aber immer wieder mit den gleichen Instrumenten arbeitest, macht es durchaus Sinn, auch diese bereits in die Spuren zu packen. Sollest du für deine Synths bestimmte VST’s nutzen, können auch diese direkt hinzugefügt werden.

Viele Produzenten nutzen beispielsweise in nahezu jeden Tracks eine Side-Chain Kompression zwischen Bass und Kick. In diesem Fall könnte der erste Schritt sein, einen Kompressor auf die Bassspur zu legen und als Input Signal die Kick auszuwählen. Außerdem kann es Sinn machen, alle Spuren per Default mit einem EQ im Bypass Modus zu belegen. So muss dieser bei Bedarf nur noch eingeschaltet und bearbeitet werden.

Schritt 3: MIDI Clips

Auch vorgefertigte MIDI Clips können im Default Template hilfreich sein. Besonders bei Loop basierter Musik wie House, EDM, Techno etc. verlaufen die Grundschläge von Kick, HiHat, Snare immer gleich. Auch hier lässt sich also Zeit sparen, wenn diese mit jedem neu geöffneten Projekt sofort vorhanden sind.

Schritt 4: Speichern

In der Regel liefern alle DAW’s die Funktion „Speichern als Standard Set“ oder „Save as Default Set“. In Ableton lässt sich diese Funktion hier finden:

Live -> Einstellungen -> File Folder -> Aktuelles Set als Standard sichern

Solltet ihr diese Möglichkeit in eurer DAW nicht haben, könnt ihr euer Template ganz einfach als normales Projekt speichern und für neue Projekte immer wieder kopieren.

Abschluss

Wie zu Beginn dieses Artikels bereits erwähnt, lassen sich viele Einstellungen in das Default Template einarbeiten. Key Bindings, Routings, Send Kanäle, Pan Einstellungen, etc. – all das kann je nach Bedarf vorkonfiguriert werden.

Wenn du dir unsicher bist, welche Einstellungen für dich relevant sind, hilft es, dich selber beim Produzieren zu beobachten. Sollte dir mit der Zeit auffallen, dass bestimmte technische Arbeitsschritte immer identisch sind, kannst du diese einfach in dein Default Template integrieren.

Im nächsten Teil gehen wir einen Schritt weiter und behandeln 3 Strategien, an einen Track heranzugehen.

Der Beitrag Workflow Tipps Teil 1/3: Templates erschien zuerst auf TrustedMusic.

Die Möglichkeiten Musik zu produzieren sind zu heutigen Zeiten so einfach wie nie. Schnell eine DAW heruntergeladen, ein paar Turtorials angeguckt und schon kann es losgehen. Dabei sah die Situation noch vor wenigen Jahren ganz anders aus. Analoge Geräte und Tape Maschinen zur Aufnahme bestimmten das Leben der damaligen Musikproduzenten.

Auf Grund des einfachen Einstieges in die Welt der digitalen Musikproduktion, träumen immer mehr Hobby-Produzenten davon, eines Tages von ihrer Musik oder Auftritten ihren Lebensunterhalt beschreiten zu können. Nicht selten geben sie große Summen für private „Music Production“ Ausbildungen und Technik aus.

Leider sieht die Realität dennoch anders aus. Trotz der sehr einfachen Einstiegsmöglichkeiten, fällt es den meisten Hobby-Produzenten doch sehr schwer, wirklich professionelle Ergebnisse abzuliefern.

Mit diesem Blogbeitrag wollen wir fünf Wege aufzeigen, wie Home Studio Produzenten von professionellen Tontechnikern profitieren und ihre Musik damit auf ein neues Level heben können.

Schulungen und Kollaboration:

Egal ob einmalige Schulungen oder längerfristige Zusammenarbeiten. Ein wesentlich effektiverer und vor allem günstigerer Weg im Vergleich zu privaten Ausbildungen in diesem Bereich ist es, sich direkt und spezifisch von einem ausgebildeten Audio Engineer weiterbilden zu lassen.

Dieses Vorgehen bietet mehrere Vorteile:

Arbeitet man direkt mit einem Tontechniker zusammen, so erhält man das neue Wissen direkt im Bezug auf die eigenen Projekte und lernt wirklich das, was für die eigene Arbeit relevant ist. Die Zusammenarbeit kann Schulungen beinhalten oder Unterstützung in technischen Belangen.

Durch dieses praxisnahe Vorgehen, bleiben die neuen Skills direkt im Kopf und die eigene Musik erfährt parallel dazu sofort einen greifbaren Qualitätszuwachs. Nicht nur für die Produktionsarbeit kann die fachliche Unterstützung Hilfe bieten. Auch bei Problemen im Studio-Setup kann ein Tontechniker exzellente Hilfe leisten. Egal ob bei Fragen zur Raumoptimierung, zum Routing oder bei der Wahl neuer Geräte bietet sich eine Zusammenarbeit mit einem Tontechniker an.

Nicht unerwähnt sollte dabei bleiben, dass die Zusammenarbeit mit einem Tontechniker um ein vielfaches günstiger ist, als viele überteuerte Kurse an privaten Schulen.

Mastering

Mastering – ein Wort was man im Bereich der Musikproduktion nur allzu oft hört. Für viele Heimproduzenten allerdings immer noch ein großes Mysterium.

Einfach ausgedrückt, wird im Verlauf des Masterings vom ausführenden Mastering Engineer der letzte Feinschliff auf der Summe des eigentlichen Tracks vorgenommen. Hierbei wird das komplette Stück vor allem lauter und fetter gemacht und die Frequenzanteile ausbalanciert.

Für dieses Vorgehen gibt es zahlreiche verschiedene Techniken, welche sich am besten mit hochwertigem Mastering Equipment umsetzen lassen. Zwar gibt es heutzutage auch etliche digitale Werkzeuge zum Mastern von Musik, welche allerdings nur in Ansätzen an die Ergebnisse von Profi Studiogeräten und die routinierten Arbeitsabläufe eines Mastering Engineers heranreichen.

Ein weiterer Vorteil, die eigenen Stücke von externen Engineers mastern zu lassen, besteht darin, dass frische Ohren einen viel klareren und objektiveren Eindruck von den Tracks erhalten, als sie der Produzent hat. Wichtig ist, dass die Umsetzung von einem Mastering Engineer erfolgt, welcher etwas vom Genre der zu masternden Tracks versteht.

Auch vor der Veröffentlichung von EP’s & Musikalben ist das Mastering nicht wegzudenken. Im ersten Schritt müssen alle zusammenhängenden Tracks in einen einheitlichen Klang und auf eine konstante Lautheit gebracht und im Anschluss für das Medium optimiert werden, auf welchem die Tracks vertrieben werden soll. Besonders im Bereich Vinyl gibt es viele Besonderheiten zu beachten, welche nur von Fachleuten umgesetzt werden sollten, um optimale Ergebnisse zu erzielen.

Mixing

Viele Tipps, Tricks und Techniken kursieren im Netz zum Thema Mixing. Viele Hobby-Produzenten mischen daher ihre Tracks alleine ab. Ohne eine gute Raumakustik, professionelle Abhörmonitore und Erfahrung, fällt es aber schwer ideale Ergebnisse zu erzielen. Werden wirklich professionelle Ergebnisse und ein perfektes Klangbild gewünscht, bringt die Zusammenarbeit mit einem ausgebildeten Audio Engineer auch beim Mixing viele Vorteile mit sich.

Als Mixing wird der Prozess bezeichnet, alle Einzelspuren eines Tracks zu einer gut klingenden Einheit zusammenzuführen. Ziel dabei ist es, einen natürlichen und harmonischen Gesamtklang zu erreichen, indem alle Audiosignale im Track gut ausgewogen sind und ideal zusammenspielen. Sind beispielsweise unwichtigere Elemente im Track zu laut, wirkt ein Song schnell überfrachtet, durcheinander und anstrengend.

Außerdem besteht die Herausforderung darin, den sogenannten „Maskierungseffekt“ zu vermeiden. Als Maskierungseffekt wird die Beeinflussung der Hörbarkeit eines Audiosignals durch ein anderes Audiosignal bezeichnet, welches im gleichen Frequenzbereich aktiv ist. Da alle Audiosignale innerhalb eines Songs sinnvoll im verfügbaren Frequenzspektrum der Stereo Summe aufgeteilt werden müssen, sollte jede Spur ihren definierten Platz im Song sowie im Stereopanorama besitzen. Nicht hörbare Frequenzen eines Signals sollten eliminiert werden.

Besonders schwierig wird es, wenn mehrere energiereiche Elemente sich den gleichen Frequenzbereich teilen. Dies kommt bei elektronischer Musik z.B. sehr häufig bei Kick & Bass vor, da diese beiden Elemente viel Platz im unteren Frequenzbereich für sich beanspruchen. Aber auch Vocals müssen beispielsweise sehr fein mit anderen Elementen abgestimmt werden, um ihre Klarheit und Präsenz im Track nicht zu verlieren. Da die Elemente beim Mischen auch im Pegel verändert werden, ist eine enge Zusammenarbeit zwischen Produzent und Mixing Engineer von Nöten, da ein Stück während des Mixdowns sonst schnell anders interpretiert wird und einen anderen Charakter erhält.

Nutzung von Profi Equipment

Die Tontechnik ist einer der wenigen Bereiche in welchem die Devise „teurer ist auch besser“ in der Regel tatsächlich zutrifft. Diese Tatsache kann für Hobby-Produzenten mit Anspruch ein teures Unterfangen werden. Aber nicht immer ist es notwendig, sich alle Geräte selber kaufen zu müssen. In vielen Fällen lässt sich das zu Hause aufgenommene Audiomaterial auch an ein professionelles Studio schicken und im Nachgang durch analoge Geräte geschickt und dabei neu aufgenommen werden.

Auf diese Weise können Klangergebnisse von teurem Equipment, z.B. von analogen EQs, Kompressoren, Verstärkern und Soundeffekten, in die eigenen Produktionen eingebaut werden, obwohl diese gar nicht im heimischen Studio vorhanden sind.

Sounddesign

Tontechniker sind nicht immer auch ausgebildete Sounddesigner. Durch ihre tägliche Arbeit mit Instrumenten und Studioequipment, sowie ihrem geschulten Gehör haben sie allerdings die Fähigkeit, gewünschte Sounds nachzumodellieren.

Egal ob Drums, Leadsynths oder Effekte. Ausgebildete Audio Engineers können bei der kreativen Arbeit mit den eigenen Geräten beratend und aktiv unterstützen, um das maximale aus den eigenen Instrumenten herauszuholen.

Fazit

Natürlich gibt es neben den oben genannten Möglichkeiten viele weitere Möglichkeiten um von Tontechnikern zu profitieren. In diesem Beitrag haben wir uns ganz konkret auf die Möglichkeiten konzentriert, welche direkt von zu Hause aus genutzt werden können, ohne tatsächlich ein Tonstudio besuchen zu müssen. Auf diese Weise lässt sich die Zusammenarbeit wesentlich leichter anstoßen, die Qualität der im Homestudio produzierten Musik deutlich anheben, die Arbeitsabläufe im eigenen Studio professionalisieren und die Erfolgschancen mit der eigenen Musik erhöhen.

Der Beitrag 5 Wege, um als Home Studio Produzent von Tontechnikern zu profitieren erschien zuerst auf TrustedMusic.